Onset asynchrony in Western art music: fingers, hammers, and music theory's ears

Abstract

Melodic onset asynchrony, whereby the upper or some component of a musical simultaneity may strike the ear ahead of other sounds, is a common feature in the performance of Western art music. It seems to be of high aesthetic value in the history of pianism, often harnessed to the seemingly contradictory “bass lead” that prevailed in the early 20th century, though in fact the two are far from exclusive. Departing from an application of Brent Yorgason’s taxonomy of “hand-breaking” (2009) to canonical, composed examples of onset asynchrony from Beethoven, Schumann, and Liszt, we examine timbral, organological, and aesthetic continuities that underly distinct practices of asynchrony. We consider the physical nature of such normally non-notated “microtiming”, ranging in performance from a few ms of melodic onset asynchrony to about 100ms, above which it is generally agreed that even the casual listener may perceive it. A piano-roll recording by Claude Debussy, of “The little shepherd”, illustrates the mix of melodic onset asynchrony, bass lead, and apparent simultaneity that may be applied in a single interpretation. We then discuss the concept of “audibility” and the question of to what extent, and in what ways, the combined transients of piano attacks may interact. We consider with reference to 20th-century Russian piano pedagogy why onset asynchrony seems to have been a little-documented, rather than an explicit playing technique, even though certain sources, such as a 1973 treatise by Nadezhda Golubovskaya, show it to be ubiquitous and well theorised. Finally, regarding the thinking that has predominated in musical performance studies in recent decades, with its emphasis on average practices and “ordinary” listeners, we suggest that a new emphasis will be fruitful, that is, research on what is particular about the embodied creativity of expert musicians.

La asincronía melódica de ataque, por medio de la cual el elemento más agudo —o cualquier otro— de una simultaneidad musical es percibido por el oído como adelantado a los demás sonidos, es una característica habitual de la interpretación de la música artística occidental. Parece haber sido dotada de un alto valor artístico en la historia del pianismo. A menudo ha sido unida al aparentemente contradictorio «adelantamiento del bajo» que prevaleció a comienzos del siglo xx, aunque, en realidad, ninguno de estos fenónemos es excluyente. Tomando como punto de partida una aplicación de la taxonomía de la «separación de manos» de Brent Yorgason (2009) a ejemplos compositivos canónicos de asincronía de ataque en Beethoven, Schumann y Liszt, examinamos una serie de continuidades tímbricas, organológicas y estéticas que subyacen a distintas prácticas de asincronía. Tenemos en cuenta la naturaleza física de ese tipo de microagógica, normalmente no anotada, que varía en la interpretación desde unos pocos milisegundos (ms) de adelantamiento melódico hasta unos 100ms; existe un consenso de que, por encima de estos 100ms, incluso un oyente poco entrenado puede escucharla. Una grabación en cilindro del «The little shepherd» de Claude Debussy, interpretada por el propio compositor, ilustra la mezcla de asincronía melódica de ataque, adelantamiento del bajo y aparente simultaneidad que puede darse en una misma interpretación. Después pasamos a tratar el concepto de «audibilidad» y la cuestión del grado hasta el cual, y las formas en que, pueden interactuar los parciales combinados de los ataques del piano. En referencia a la pedagogía rusa del piano en el siglo xx, sopesamos por qué la asincronía de ataque parece haber sido una práctica instrumental poco documentada y tácita, aunque algunas fuentes, como un tratado de Nadezhda Golubovskaya de 1973, la muestra como extendida y bien teorizada. Finalmente, en relación al pensamiento que ha predominado en los estudios de la interpretación musical en las últimas décadas, con su énfasis en las prácticas generales y los oyentes «medios», sugerimos que un nuevo énfasis puede ser fructífero, a saber, la investigación sobre lo que es particular de la creatividad corporeizada de los músicos de primera línea.